她们10个才是最伟大的女性艺术家

艺术领域中，

女性一直是临摹和塑造的对象，

凝聚着情感和遐思。

但真正具有影响力的女性艺术家

却寥若星辰。

仔细品位她们的作品，那独特的切入和细致的视角，柔和而感性、敏锐且细腻的特征；为男性主导的艺术领域增添了许多色彩，也让我们对艺术的认识拓展到更广阔的视野和空间。

索芳妮斯贝 安古索拉

Sofonisba Anguissola 1532-1625

安古索拉是文艺复兴时期的意大利女画家，是具有国际声誉的女性艺术先驱，曾和Bernardino Campi和Bernardino Gatti一起学习艺术，史无前例。

当时社会在对女性学艺术怀有偏见：女性通过艺术创造获得成功，实现目标和理想，宛如天方夜谭。即使很久以后妇女允许成为艺术学徒，解剖学和人体依然是禁区。

安古索拉之所以在艺术上有所建树，和家庭教育密不可分，父亲经常鼓励她在艺术学习上多加努力。这在当时的社会教育背景下，实属不易。

安古索拉与Campi师承关系开了男老师带女学生的先例。米开朗基罗还曾送过一些画给安古索拉临摹，并亲自对作品给予指导。

安古索拉相当多产，作品有大约50幅。最重要的是，她是首位进行多人物肖像创作的画家。作品《露西亚、米勒娃和欧罗巴-安古索拉下棋》，表现的就是她穿着正式的服饰与姐妹们下棋的轻松场景。

当时意大利肖像画都比较刻板，人物僵硬。安古索拉创造了自然的人物绘画手法，画真实自然的人，而非人们想要被画成的样子。

15世纪50年代，安古索拉逐渐为人所知，还被邀请至西班牙出任菲利普二世的宫廷画师。之后的14年间，她在宫廷有专门用于画肖像的住处，甚至成为伊丽莎白女王及女儿的艺术导师。

作为颇具创新精神的肖像画家，安古索拉打破当时社会对女性追求艺术的性别障碍，始终坚持创作，不断突破自我。这不可忽视的艺术力量，在同时代甚至后人中都很罕见，安古索拉在国际画坛上的地位和影响激励了很多女艺术家。

阿特米西亚·真蒂莱斯基

Artemisia Gentileschi 1593–1653

真蒂莱斯基是巴洛克时期意大利艺术上最杰出的女性，擅长在画作中表现不为人知的女性进步和思考。

真蒂莱斯基受父亲画家Orazio Gentileschi的影响步入艺术界，但风格却受卡拉瓦乔影响更甚，偏向现实主义而非理想主义，拥有极高的辨识度。

真蒂莱斯基早期备受关注的画作是《Susanna and the Elders》，讲述Susanna被邪恶夫妇诬陷，因拒绝敲诈而被捕，快折磨致死时Daniel救了她，揭露谎言，洗清冤屈的情节。

画作之所以引人瞩目，因为真蒂莱斯基侧重表现Susanna的情感及创伤体验。在那个时代，从未有画家用如此真实的手法，呈现女性内心的细腻情感。

1612年，曾经是真蒂莱斯基老师的Agostino Tassi强奸了她，更试图通过结婚掩饰罪行。官司公审时揭穿了Tassi的险恶用心，他想要谋杀真蒂莱斯并盗取其画作。Tassi最终判处一年有期徒刑，但始终没有执行。

经历过强奸、审判、女性的无助以及长时间的法庭对峙之后，真蒂莱斯基从此改变画风，专注于女性力量的表达，以坚强的女性形象宣泄孤立无援的绝望情绪，仿佛对自己的影射。

作为卓有成就的艺术家，真蒂莱斯基一生都奉献给了绘画，获誉无数。同时，她专注于为女性发声，用自己的情感浇筑坚强的女性形象，影响深远。

伊丽莎白·维杰·勒布伦

Vigée Le Brun 1755–1842

勒布伦生于巴黎，是洛可可时期众所周知的人像画家。

作为法王路易十六王后玛丽·安托瓦内特的私人画家，勒布伦创作了数以百计的画作，包括600张人像画和200张风景画。

勒布伦的艺术在当时就享有盛誉，1783-1789年最具创造性的年代，作品甚至超越巴黎高等艺术学院每两年一次的沙龙艺术品数量。

法国大革命时期，勒布伦和女儿逃离法国，游历欧洲，即使流亡期间也从未停止作画。

布伦一路游历到俄罗斯，继续以自己独有的风格创作，所到之处得到贵族们热烈欢迎和追捧，还曾为凯瑟琳皇后和女儿画了美丽的肖像画。

1801年重返巴黎的勒布伦依旧致力于肖像画，直至生命结束。

勒布伦对绘画的热情，独特的个人风格，多产的职业生涯以及遍及全球的影响力，至今依旧鼓舞人心。

贝尔特·莫里索

Berthe Morisot ,1841--1895

贝尔特·莫里索出生于巴黎，是印象派不可或缺的人物和最出色的女画家，其祖父为著名的洛可可画家弗拉戈纳尔。

莫里索自幼喜欢绘画，最初跟随学院派吉夏尔学画，后来师从柯罗，受其影响强调师法自然。

1864年，23岁的莫里索首次以两幅风景画，入选声誉卓著的巴黎学院派美展沙龙，之后连续6年参展。

一次偶然的机会，莫里索在卢浮宫结识马奈，后与其弟结婚，来往密切，相互影响。莫里索不仅掌握户外绘画要领，更开始效仿印象派的绘画手法，注重光色的研究 。

在 1874 年莫里索放弃沙龙画展，投向印象派的怀抱，展出了描绘其姐姐和侄女的作品《摇篮》。温情的画面体现了人性的温柔，更为她赢得了艺评人少有的赞誉。

莫里索的作品主题基本围绕其日常生活经验与家常一隅，亲朋好友，同时试图反映19世紀社会阶级与性别差异，以及对当时女性艺术家造成的限制。

莫里索擅长肖像画和风景画，凭借女性特有的直觉和敏感，她的画面排除一切粗野的笔触，而着重撷取生活中的诗意，那精美而华丽的光影色调，使平凡的日常生活也显得如此活跃而生动。

在将莫里索视为知己的早期印象派大师评价说：“这位技巧卓越的女画家，乐于同任何人并肩战斗，同整整一代的绘画完美的联系在一起”。

玛丽·卡萨特

Mary Cassatt 1844-1926

玛丽·卡萨特是当时极少数活跃于法国艺术界的美国艺术家。更是不受世俗拘束、意志坚强、全心投入自己热爱艺术事业的女性。

卡萨特早年便学习绘画。在那个女人无法进入艺术学校的年代，卡萨特只能上私教，但立志成为职业画家的目标从未动摇。

卡萨特21岁时游历欧洲，研究意大利、西班牙等艺术前辈的名画。1872年，卡萨特作为唯一被邀请参展的美国人，以《The Mandolin Player》入选巴黎美术学院沙龙展。

此时正是印象派崭露头角的新世纪。定居巴黎的卡萨特非常欣赏印象派对外光的表现和色彩明亮的画面，后来和德加结下了深厚的友谊，并不断参加印象派画展。塞尚、莫奈、雷诺阿等印象派主将都引她为知己。

1886年卡萨特偏离了印象派，强烈的设计、卓越的素描和明亮的色彩，创造出简朴和直率的画风。一系列母爱为主题的代表作，造型生动，色彩丰富，温情洋溢，透露出生命的光辉。

the bath circa

卡萨特始终追求梦想，坚持艺术创造，最终成为震惊世界的女性艺术家。

凯绥·珂勒惠支

Kaethe Kollwitz，1867—1945

珂勒惠支，德国版画家，雕塑家，现代美术史上最早以作品反映无产阶级生活和斗争的版画家之一，一生旗帜鲜明地支持革命事业。

珂勒惠支的早期作品《织工反抗》、《起义》和《死神与妇女》、《李卜克内西》 、《战争》等，不仅传达了资本主义制度下工人阶级的悲惨命运和斗争精神，而且唤醒了人们反对侵略战争，实现世界大同的理想。

1927年珂勒惠支应邀访问苏联，社会建设鼓舞了她的创作热情 ，版画《游行示威》、《团结就是力量》、《母与子》等，表明了她对无产阶级解放事业的新认识，艺术水平也达到新境界。

1928年，珂勒惠支被选为柏林艺术学院版画部主任，同时被授予教授的学衔，这是德国艺术教育界首位女教授。

1933年，希特勒对进步文化界实行法西斯镇压。珂勒惠支被解除一切职务，禁止展览和出版。但是全世界的进步人士都尊敬这位杰出的版画家。罗曼·罗兰称颂道:"珂勒惠支的作品是现代德国的最伟大的诗歌，它照出穷人与平民的困苦和悲痛。"

珂勒惠支的作品可以被视为一部“人物姿态和表情的词典”，在女性艺术家之中，震动艺术界，现代几乎无出凯绥·珂勒惠支之右者。

玛丽·洛朗桑

Marie Laurencin 1885-1956

玛丽·洛朗桑是巴黎艺术界的一朵耀眼的玫瑰，是改变了艺术流向的“野兽派”和“立体派”中的一员，年轻时代便与马蒂斯、毕加索等交往紧密。

洛朗桑的出众风格独树一帜，在巴黎风云变幻的艺术天地中找到属于自己的美学视域。那艳丽妩媚中透露淡雅高贵的气质，如神秘薄沙般极富抒情韵味。

洛朗桑在作品中强调展示色彩般的音乐韵律，以纯净的色块组合寻求富有变化的和谐，犹如诗歌中的韵脚和节奏变幻，带给美妙的体验和视觉享受。

洛朗桑赋予色彩神奇的魔力，它对主题的提炼达到高度意象化的境界，将形象与构图统一在感性色彩中，传导出一种难以言说的梦境化美感。

代表作《美惠三女神》形象轻盈而优雅，明静之中流露着温婉和奢华，宛如湖水般清澈，展露着安谧、宁静的气氛，在知觉层面上有着不易察觉的持久的冲击力。

洛朗桑将心灵的光辉隐藏在审慎选择的色彩暗示里，将宁静与深邃隐约流泻在装饰化的纯美氛围中，使作品超越时代限制，发展出温婉妩媚的抒情风格。

洛朗桑画中那明亮轻柔、极富敏感性的灵气，充分体现了富于直觉激情的女性魅力，是巴黎画派一个全新的开拓。

乔治亚·欧姬芙

Georgia O'Keeffe 1887–1986

作为20世纪艺术大师之一，欧姬芙的作品已成为1920年代美国艺术的经典代表。

欧姬芙以半抽象半写实的手法闻名，主题多为花朵微观、岩石肌理，动物骨骼以及内陆景观，同色调的微妙变化组成富有韵律的构图。

1912年，欧姬芙受Arthur Wesley Dow启发，认为“艺术家应善用线、色彩、面与形来诠释自己的理解和感觉”。欧姬芙尝试将自己的风格融入其中，以身边事物创作抽象画，是美国首先突破现实主义的画家之一，预示着美国艺术走向一个新的台阶：纯抽象主义。

1919年欧姬芙搬到纽约，画作主题越来越丰富，色彩、线、面都已呈现出强烈的个人风格，清澈纯净，赋予画布神秘而富有生命力的气质。

1924年，欧姬芙开始了最著名的花卉系列，以微妙的曲线和渐进的层色，组成神秘又具有生命力的构图，1925年展出时即将欧姬芙推到绘画生涯的高峰。其中“海芋”以25000美元创造了当时在世艺术家画作的最高价，也奠定她代表1920年代美国画家的地位。

欧姬芙晚年去新墨西哥进行了一场旅行，那里的景观、色彩和岩石，给予她巨大的创作灵感，最终选择定居。不管进行哪种主题的创作，她作品的欢迎度从未被动摇过。

无论有意还是无意，欧姬芙始终是潮流的缔造者，其漫长的一生本身就是引人入胜的传奇；直至1986年98岁高龄去世时，欧姬芙已经成为历史上最杰出的女画家。

欧姬芙的艺术始终按自己的逻辑发展，巨大的成功源于她始终清楚自己要什么，以及为此要舍弃什么。

弗里达·卡罗

Frida Kahlo 1907–1954

弗里达·卡罗是以用色大胆和诡异自画像而著称的超现实主义艺术家，也是墨西哥最受欢迎的现代女画家。

弗里达18岁时遭遇车祸，对身体产生了永久的创伤，康复阶段由于行动不便，她放弃正在进行的医学学习，开始尝试绘画。作品源泉是她的天才和热情，也是医疗过程中的个人痛苦和斗争的编年史。

艺术和生活密不可分，在弗里达的绘画生涯中，共画了超过140幅画作，其中有55幅自画像，画作主题多是对身体和心理状态的象征性表达。

弗里达热爱墨西哥的一切，它的色彩、民间艺术、传统服饰，以及重视诚信和家庭的价值观，时而幻想、时而奔放，强烈而写实，明亮且多彩。

弗里达的生命中还包含与画家里维拉的动荡婚姻，及共和党的政治倾向。随着时间的推移，作品越来越多地展示了她与慢性疾病和精神痛苦的斗争。

弗里达的生命中还包含与画家里维拉的动荡婚姻，及共和党的政治倾向。随着时间的推移，作品越来越多地展示了她与慢性疾病和精神痛苦的斗争。

弗里达用充满情绪和热情，绝望与痛苦的画作分享她感受到的一切，这些想法和感受在画布上展露无遗，仿佛全世界都能窥探到她的思想和状态。

草间弥生

Yayoi Kusama 1929-

“如果不是为了艺术，我大概很早就自杀了”。

作为日本最伟大的艺术家，草间弥生早在几十年前，就已成就了日本艺坛至今无人超越的高度，引领前卫艺术近半个世纪。

草间弥生自幼患有神经性视听障碍，被大量幻觉困扰，眼中的世界仿佛隔着一层斑点状的网，甚至梦境中的空间，都布满了密集的圆点。

疾病也成为了草间弥生的艺术之灵，她尝试以圆点来描绘这个世界，最终成为她最具标志性的绘画符号。

草间弥生是战后日本最出色的国际艺术家之一，也是纽约前卫艺术的一员，艺术对她而言不仅是创作，更是治疗自我的一种方式。

草间弥生在纽约邂逅了美国艺术家约瑟夫·柯内尔，彼此相伴至1972年柯内尔去世。伴侣的离去给草间弥生带来沉重的打击，她的精神问题越来越严重。1973年草间弥生从纽约回到东京的精神疗养院。

草间弥生的创作手法有绘画、软雕塑、行动与装置艺术等，归类到多种艺术派别，包含了极简主义、超现实主义、原生艺术和抽象表现主义等。作品呈现了一种自传式的、深入心理的内容。

1966年，作品《无限的爱》（Love Forever）用圆灯泡和大面镜的无限反射，造成相当视觉迷幻的作品，具有无穷的震撼力，是草间弥生的成名作。

同年，草间弥生受邀参加第33届威尼斯双年展，作品名为《那克索斯的花园》（Narcissus Garden）

90年代之后，草间加入了商业艺术的领域，与时装设计界合作，推出了带有浓厚圆点草间风格的服饰，并开始贩卖许多艺术商品。

1998年开始，草间弥生创作共十件《无限网》雕塑系列，将二元平面幻想的圆点图案，延伸至维纳斯的三元立体雕塑上，其艺术感官已完全被强烈的潜意识幻想操控。

作为纽约前卫艺术的先锋人物，草间弥生的影响力甚至堪比波普艺术领袖安迪·沃霍尔。

晚年的草间弥生住在东京的心理治疗所，继续从事艺术创作，她经常对媒体表示“如果不是为了艺术，我应该很早就自杀了。”

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