近读一本小书，名为《观看王维的十九种方式》。不同国别的译者以诗人王维《鹿柴》为原点，从各自的文化背景和思维角度给出了富于差异的译文，重构了王维的诗意世界。当然，译者或许会自诩本人的译本最为虔诚、准确地指向原本，然而显而易见，唯有王维本人可以抵达王维之境，而译本皆为王维之境投射于他者的影迹。

水墨之途的初级阶段倾向于笔墨技法的摹习，这种以逼肖古人范本为鹄的的状态，某种意义上不同于译者自我消解式地无限接近于原本的翻译——翻译是以它种语言再次传达同一语义，而摹习则是同种语言的挪移尝试——但两者同样强调语法、程式与秩序。此时，既定的所见与摹习的结果之间隔着一段生命体验的距离，专注于技法层面的画者尚未将自身生命感受化入艺术形态之中，摹本只是一个有待注入灵智的虚空之壳：既不同于凝结了古人审美经验与心性的纸面，亦不同于映照了宇宙抽象秩序与真实的客观自然。一切需要时间，更需要内观的智慧、灵思的觉悟。

当笔墨语言的运用变得游刃有余，一部分当代画者却因由市场、识见、惰性等诸多原因，停在了技法维度并自足于这一起点；而另一部分则倾向于求索笔墨背后的文化支撑、时代气息，尝试创生新的笔墨语言。艺术家视域的边界，通常是他所认知的世界边界；深心内观并不意味着认同思维保守，所知幅面的深广对内在自我的发现和传达有大助益。古往今来，中西方文化资源作为人类艺术创作的共享宝窟，启发、滋养、创造了无数艺术成果，在21世纪全球化世界主义文化语境下，互联网时代的信息共时为艺术家视域扩展、博采广纳提供了更多可能。此时，图式的多维性、多元化倾向愈加明显，但图式自身的局限性引发“反图式”的某种思考，图式的话语需要超越图式本身，才能承载更高层次的精神能量，其方法便是，将真实的生命感受注入作品，使之免于风险：过于图式化可能导致的失语。同样，纯粹的笔墨论也难免狭隘，重要的从来不是物质化还原笔触质感、程式法度，而是透过往昔人文经验的界面有效承载当代艺术家的精神状态、审美理想。因此，我们乐见“水墨品质”展览当中那些意图摆脱复写式图式、样板式笔墨，浸淫了艺术家真实生命感受的作品。

生命感受始终是创作的内驱力，催动艺术家的语言形态一步步衍化、准确输出理念。对于艺术家而言，多年一成不变的风格样态，往往归咎于主体的意识停顿。事实上，在杰出艺术家的不同生命阶段，始终伴随着不断裂变生成新的精神形态的情况，每一件作品看似各有所指，但却都不是孤立的，而是围绕艺术家不同阶段所思考的问题展开、自有它的逻辑上下文，是清晰附着在艺术家生命链条中、同时又与之遥映的视觉存在，充分证实了“风格即人”的一贯与必然。

“水墨品质”中的艺术家，他们中大部分在日常生活之外，筑有一个务虚的心灵乐园，于中神游远山近水，思量古今中西。他们对于艺术的理解尽脱单一维度的笔墨层面，营构的图式蕴有巧思、各具心性，自觉传达出他们对于自然、传统、时代以及世界的看法，虽然经过无人描述的无名风物，也遍历古人笔下的名山范水，但笔下的形态比客观世界更丰富、也更单纯，超越物质形态转向与内在自我密切相关的精神世相：朝向自我的真意之境。

回到四年前，当时我为“水墨品质”展作序，论及以心接物、物我交融、直至“画到几不用心处”的法我两忘之境时，尚未想到多种富于价值的艺术实践将再次汇聚《真意之约》。

                                                                                                                                                                                                                                                                                                                              2019年4月8日于望京